Bienvenida

El "Arte" es la manifestación física de la sensibilidad, sensualidad e intelectualidad del ser humano en toda actividad individual y social y según sea la intensidad de esa manifestación, la fuerza con que se ejerce, la convicción del o de los individuos que se expresan de una u otra manera, será el resultado obtenido y como ha de ser considerado dicho resultado

En los escalones superiores del "Arte" la genialidad en su afán expresivo concreta una o varias obras propias a las que denominamos "Obras de Arte"

En este espacio no pretendo calificar la obra de los distintos autores, solo intento descifrarlas y comentarlas según mi entender, decodificando el lenguaje desarrollado.

Agradeceré las visitas y también la critica constructiva a este espacio.


¡A todos un abrazo de bienvenida!


LA ABSTRACCIÓN EN ARTE ES LA MÁS ALTA EXPRESIÓN DE LIBERTAD CREATIVA DEL ESPÍRITU A.G.G.

"UN GRITO DE DOLOR NO ES UNA OBRA DE ARTE: PARA QUE EL GRITO SE TRANSFORME EN CANTO, ES NECESARIO QUE EL ARTISTA SE DESPRENDA DE SU DOLOR" Lieonello Venturi

CADA OBRA QUE USTED VISITA,OBSERVA, NECESITA DE SU COMENTARIO, EXPRESE SU SENTIR, SU PENSAR


martes, 20 de septiembre de 2016

MIRTA BENAVENTE - Sin titulo - (...pero hay una esperanza...)










(....pero hay una esperanza...)

Mirta presenta esta obra "sin título" pero lo hace con un pensamiento adjunto del poeta Friedrich Hölderlin. Quien dice:

"Vivimos tiempos de indigencia, de vacío, en que los viejos dioses ya se han ido y los nuevos aún no han llegado”

Y la artista sale de su obra y se enfrenta a este pensamiento... ¿O luego de asimilar el pensamiento de Friedrich, puso manos a la obra??

Voy a suponer lo segundo y veo que ella, instintivamente, se defiende de la situación triste, sin Dioses, dispuesta usar un colorido que supera grises y pardos.

Las esferas, signos geométricos de la perfección, donde todo está a la misma distancia del centro, donde la distribución es homogénea, donde.... Pero esas ideas se han empequeñecido, se han comprimido tanto que gravitan sobre sí mismas y van cayendo "esos Dioses" pasarán en poco tiempo a otra dimensión. La geometría marca límites, Mirta los indica, hay historias que se repiten... Cada imperio creó sus dioses.... al caer los dioses cayó el imperio.... Quizás sea cierto y estemos en ese punto de inflexión, ese vértice donde no alcanzamos a asumir nuevos Dioses, se hacen inalcanzables.... pero están, Mirta los ha pintado, seguro superan la mente humana... de otra manera, caerán como tantos otros y repetiremos los ciclos.

Esto es un esquema posible de la génesis de la obra y Mirta Benavente nos permite esta y otras elucubraciones

¡Gracias Artista!


lunes, 19 de septiembre de 2016

BETINA LEVIN Y SUS INTENSIDADES




BETINA LEVIN









El artista no padece locura, padece intensidad.

Betina Levin tiene eso, padece intensidad, y es una intensidad que desarrolla con un romanticismo nuevo, lo extiende en horizontal y dentro de la “normalidad esperada”…. Hacia abajo hay más peso, la obra se arraiga en la tierra, hacia  arriba todo se sublima, las tonalidades  se unen suavemente, sin estridencias… En general es una intensidad tranquila, trasunta paz, belleza, amor y sus títulos coinciden plenamente con esa sensibilidad inquieta…
Entre los árboles, Perfume en la pradera, Ciudad Esmeralda, Todo se ilumina… Paisaje del sur, Puentes de piedra, Oro y azul…. Toda una melodía visual que se propaga  a los demás sentidos


Serie Vida: Castillos y flores
40x120cm
2015

Serie Viaje: Danza de pétalos dorados y flores rojas
90x90cm
2016


El bosque de flores blancas 

El silencio del río

viernes, 9 de septiembre de 2016

CRISTALES - LOUIS HÄVRE



   Cristales - 60 x70 cm

El cristal esconde en su espesura las sombras de aquel que lo enfrente. Miro sutiles fantasmas que se ocultan en la fragilidad de una simetría de la vida. Suma todas las imágenes colectadas en el tiempo y  guarda celosamente, hasta que el azar o el destino hace mil astillas abriendo esa clausura a los prisioneros de miradas sucesivas y de maravillas inventadas. Tras el cristal la luz se expande y la visión se alarga... No hay mejor reflejo que el cristal de una gota de rocío.
Os felicito Louis Hävre por esta hermosa obra!!

miércoles, 7 de septiembre de 2016

TEATRO ITINERANTE DEL SUEÑO - ALICIA MONTES DE OCA (ALENKA)





Teatro itinerante del sueño
Obra lúcida y lúdica... para Alicia, para cada artista cada obra es un sueño y en él está todo el contenido  de ese instante maravilloso de crear, imaginar, de darse. Alenka, desde hace muchos , muchos años sueña unas hermosas fantasías y como todo sueño tiene un camino, un desarrollo al que nunca pensó ponerle límites, son sueños itinerantes por naturaleza.... y para que veamos esos sueños que mejor  que sea así, teatral, donde gnomos, arlequines, brujitas, panderos.... demuestran sus habilidades, sortilegios y a su vez nos hace soñar nuestros propios sueños.... salen de ella y se van transfiriendo a nosotros y regresan haciendo un ciclo, pues nada está quieto... todos los personajes  ella los libera  entonces  nosotros nos apropiamos de ellos y los liberamos en nuestros propios sueños... Todo es un ir y venir  que enriquece. La densidad  de la atmósfera del teatro itinerante del sueño nos envuelve en sus historias atrapantes....  Y soñar si cuesta, cuesta abrir los ojos y el corazón e imaginar, imaginar, imaginar, imaginar.....
Gracias Alenka por tus sueños y el teatro con que los representas
                                        Antonio Guzzo - septiembre de 2016

MORFOLOGIA CIRCULAR (detalle).
by Alicia Montes de Oca.
Óleo sobre madera
88 x 122 cm.

Obra y narrativa de Alenka

CAPULLOS DE PRIMAVERA.
Doña Prima Vera llegó una vez que Don Invierno se fue de vacaciones.
Esta vez trajo sólo dos pájaros y cuatro capullos. Como el Espejo aún estaba empañado de frío, Doña Prima envió a los dos tristes pájaros a limpiar con sus plumeros y a prepararle el nido con sus trinos.
Según la tradición, el Sombrerero debe organizar la fiesta de bienvenida a Doña Prima Vera, y la Liebrede Marzo debe organizar la ayuda para desempacar y colgar los capullos.
La Liebre de Marzo se hizo la occisa y corrió a esconderse, alegando “yo ya hice todo lo que me tocaba, y lo que no, pues no, y quien le manda llegar tan tarde, y que la Liebre de Abril haga lo suyo”.
La liebre de Abril no ha llegado, ni llegará porque no existe… aún. Es cuestión de planteárselo a la Reina y ya veremos.
Por lo pronto, el Espejo es un garabato de gato:
A falta de liebre, pues Gato. Los gatos se han comido los ratones que sujetaban los capullos. Los capullos se han caído varias veces de la rama, y no paran de llorar y llorar y ha sido necesario usar impermeables y paraguas. Comoaguas para chocolate está la Duquesa Pimienta dando órdenes a diestra y siniestra. La siniestra Cocinera aprovecha la pimienta para hacer huevos revueltos con tocino. "ESTO-Si-NO lo tolero!!!"- protesta Humpty Dumty, corriendo sobre el cerdito de la Duquesa. "DU QUE Sa…les por esa puerta y yo te corto la cabeza!!!- grita la Reina". Las sotas de basto no se dan abasto. Las sotas de espadas no te las acabas. Las sotas de oro brillan por su ausencia, y las sotas de… lluvia sobre mi cabeza…??? "Raindrops keep falling from my head... Lá, la la lá la, la la lá...."

Sí, Esta Prima Vera sólo trajo dos tristes pájaros y cuatro capullos lluviones y llorosos. Bosos, Alenka.


CAPULLOS
by Alicia Montes de Oca
Óleo sobre madera. .33 X .42 cm

viernes, 2 de septiembre de 2016

ISABEL PONS TELLO - "Pérdida de la realidad" - Pèrdua de la realitat



















Pèrdua de la realitat (60x60 cm).
Ferro rrovellat, resines minerals i paper imprès


Que es la realidad?  ¿La imagen? ¿La palabra? ¿Los sentidos? ¿La emoción de cada instante? ¿Nuestra construcción mental de cuanto nos rodea?...... Muchas preguntas para responder a una sola palabra.... No buscaré una definición de realidad pues ya sería algo congelado.
La realidad es una "cosa" que se mueve, como el agua de mar, como ciénaga o lava de volcán. Es arrolladora y no podemos evitarla y solo podemos intuirla desde nuestros sentidos que no son iguales de un individuo a otro y menos  entre las distintas especies.... cada ser teje su propia realidad como puede en ese vaivén de olas o el lodo o bien en la hirviente lava de la vida.
La realidad  de hace un momento tiene ventanas como eslabones de tiempo, poder armarnos y seguir eso que nosotros construimos  como una visión de lo que nos pasa, intentamos estructurar y adecuar. Y… he aquí que Isabel Pons Tello abre con su obra una especie de caja de pandora visual, táctil y quizás  podríamos decir audible, gustativa, olfativa y cuantos sentidos nos pudiéramos imaginar....
En ella vemos desde la cueva que nos protegía, las primeras palabras, el impreso, ciudades que van pasando sin pena ni gloria. En definitiva, memoria de realidades olvidadas pues dejaron de ser, dejaron de vivirse... solo nos va quedando la esencia de esos pasos humanos. ¡Si! humanos pues hemos recopilado intelectualmente , socialmente; esa cadena de ventanas que nos unen al pasado y nos proyectan al futuro... Sin ese encadenamiento de sucesivas ventanas perdemos noción de la realidad, nos ahogaríamos en el mar, nos hundiríamos en la ciénaga, nos arrollaría la lava hirviente de la vida. Simplemente regresaríamos a tiempos pretéritos donde buscaríamos refugio en las cavernas.
Vivamos con intensidad la realidad para construir nuestra efímera existencia. Para ello hemos desarrollado nuestro cerebro e infinitas realidades concatenadas... perder esto sería catástrofe.
Gracias Isabel Pons Tello por esta enormidad que emana de estas tus obras, así como de todo cuanto haces.

La mirada encadenada


Antes de los juegos

jueves, 25 de agosto de 2016

Humus spectrum - ANNA ROSA PELAYO
















Humus spectrum.
Temple / tela
0.50 x 0.80 mt.

Con esta obra Anna Rosa Pelayo se introduces en el humus, ve la imagen de esa capa superficial de nuestro planeta, capa productora de vida, llena de energía y a la vez ¡Tan frágil! 
Ahí estamos viendo su interior, como ella lo imagina... no es fantasmal, es una idea concreta, el humus es mucho más que una imagen... Con esta obra intenta transferirnos la gran necesidad de proteger la tierra, de vivirla con conciencia y amor, de introducir en ella las manos y sentir su palpitar... Dependemos del humus hasta que nos entreguemos a él y renacer en otras vidas. 
El movimiento ágil de trazos, los colores oscuros de los procesos de transformación, la luz necesaria del sol que penetra en lo recóndito de esta inmensa fabrica anuncian el verde que aflora mas allá de la obra.
Excelente obra... Con calidad expresiva nos guía por caminos esenciales...

domingo, 21 de agosto de 2016

"me hiciste débil" 47 x 33 acrílico - ALJONA SHAPOVALOVA

Внезапный оммаж Густаву Климту - золото и гламур прилагаются)
"You made me weak" 47х33 acry
lic, paper, cardboard (painting, collage)















En arte todo es arte, creación, técnica, influencias... (necesariamente).

El camino creativo es variado e intenso y así las obras se van sumando, superando, el artista va marcando su huella en búsqueda de su identidad. En el momento de expresarse no piensa en la crítica; y si es collage no interesa si utiliza un trozo de periódico, una lata, tela o trozo de otra obra de arte.... Todo es válido.

Esta obra, que Aljona llama "Me hiciste débil" la ha realizado en un momento de extrema sensibilidad y en una etapa en que la influencia de Gustav Kliment era un hecho inevitable en su caso... y en el de otros muchos artistas.

El hecho de sentir esa debilidad, de pensar que un algo o un alguien decidió inculcársela le abre los ojos y "decide por sí misma" que la verdadera fortaleza está en la debilidad, en esa capacidad de intuir, de construir y construirse con constancia, con firmeza. De hecho la obra está armada con trazos y trozos fuertes, contundentes y guarda en el centro de su mente la delicadeza, los sueños... la pasión, y que mejor que indicarlo con ese trozo de la obra " El beso" de Gustav.

Aljona Shapovalova ha crecido y ha ido construyéndose constantemente y su voz, desde su debilidad de mujer, es potente, enérgica. Su romanticismo está en el centro de su corazón por eso mismo le duele el mundo y es lo que pone en sus obras donde ha desarrollado una identidad artística inconfundible...

El predominio de monocromos o bien dos o tres colores, casi sin matices le proporciona una visualización enérgica y a la vez delicada.

En definitiva Aljona nos dice que cada uno somos quienes decidimos ser fuertes o ser débiles...

Ella decidió ser fuerte sin dejar de ser mujer… en los caminos del arte y en la vida misma

¡Felicitaciones Aljona Shapovalova!




In art everything is art, creation, technique, influences ... (necessarily).

The creative path is varied and intense and so the works are added,
beating, the artist is marking its mark in search of its identity. At the time expressed not think criticism; and if it is not interested collage if you use a piece of paper, a can, piece of cloth or other work of art .... Everything is valid.

This work, which Aljona called "You made me weak" has performed at a time of extreme sensitivity and a stage in which the influence of Gustav Kliment was an inevitable fact in your case ... and in many other artists.

The fact feel that weakness, thinking a something or someone decided inculcársela opens her eyes and "decide for itself" that the true strength is in weakness, in that capacity to intuit, to build and be built consistently, firmly. In fact the work is armed with strokes and strong, forceful and saved in the center of his mind the delicate pieces, dreams ... passion, and what better to indicate with that piece of work "The Kiss" by Gustav.

Aljona Shapovalova has grown and has been steadily and his voice being built, since its weakness woman is powerful, energetic. Their romance is in the center of his heart that it hurts the world and is what puts in his works where he has developed a distinctive artistic identity ...

The predominance of monochrome or two or three colors, almost without shades provides a strong and delicate time display.

Aljona ultimately tells us that each one of us who decided to be strong or be weak ...

She decided to be strong while still being a woman ... in the ways of art and life itself

Congratulations Aljona Shapovalova


(Google traslator)


miércoles, 20 de julio de 2016

BEATRIZ GARCÍA HUERTAS - ESCULTORA





"Cada obra debe tener una motivación profunda, una enseñanza y la posibilidad de transmitir, de comunicar al otro no sólo la idea, sino también la vivencia del proceso creativo".




Entrevista extaida del Diario Los Andes y reproducida también en el blog de Camila Reveco - https://camilareveco.blogspot.com.ar/2015/02/beatriz-garcia-huertas-dulce-y.html

http://www.losandes.com.ar/article/dulce-y-melancolica




La artista trabaja con los materiales propios del oficio y modela como se ha hecho por siglos la piedra o la madera. Sometiéndose siempre a las leyes orgánicas de la materia prima elegida.

Dentro de la creación artística y sus infinitas posibilidades, la escultura tiene especificidades que resultan fascinantes al momento de expresarse. Es que el objeto escultórico es tridimensional y ocupa un espacio determinado.

En el Renacimiento se consideraba que un escultor es aquel que quita materia de un bloque hasta lograr que la figura aparezca (así lo explicaba Miguel Ángel cuando le preguntaban por su David).

Por consiguiente, esculpir es quitar, saber detenerse, presionar, golpear de un modo certero, pulir y nunca equivocarse porque un golpe mal dado no tiene retorno. Todo esto para que “aparezca” el objeto artístico en potencia.

Las figuras de García Huertas también brotan. Ella busca cada material para cada obra. Característica de todo buen escultor: elegir siempre con gran cuidado la piedra o madera sobre la cual van a trabajar.

La elección de una madera –por ejemplo- no es solamente por su color, dureza o belleza: el dibujo incorporado en la veta tiene un papel muy importante y saber usarlo es producto de un discernimiento muy adecuado.

La escultora expresa total imaginación e impecable factura. Su trabajo trasluce momentos frágiles y melancólicos, de increíble sutileza, como también denota un lado lúdico, más apasionado, suelto y rebelde. Resultado de una obra hecha a conciencia, segura y tenaz.

-¿Cuándo descubrió que tenía "facilidad" para la escultura?

-Desde muy pequeña... jugando con migas de pan hacia flores y animalitos. En el colegio tallaba tizas con un alfiler, escondida en el último banco del aula. También modelaba el barro del jardín de mi abuela. Modificaba todo material maleable: arcilla, jabón, parafina, yeso, papel, entre otros. Este entusiasmo y placer fue el inicio de una vocación que finalmente me lleva a la universidad. Para mí, el arte es una necesidad, como el juego para el niño. Por eso lo disfruto tanto. A veces ni cuenta me doy de las horas que paso trabajando.

-¿Su obra la conecta a su infancia?

-Sí. Sigo jugando con puntos líneas, formas y colores. Me divierto y sufro como un juego que tomo muy en serio. Invierto la mayor parte de mi vida sabiendo que es un juego, que no puedo dejar de jugar.

-El uso del color es poco usual en la escultura: ¿lo aplica o los materiales los traen incorporados?

-Cuando trabajé con el mármol -durante dieciocho años- , con la técnica talla directa, una de mis intenciones en aquellos trabajos fue mostrar la belleza natural de ese material, que justamente no necesita colorearse. Cuando decidí comenzar a trabajar el metal, quería mostrar lo mismo. Pero no todos los metales resisten el paso del tiempo sin una protección.

Por eso mismo, investigué antiguas fórmulas de oxidación con temperatura para generar una protección permanente, como también apliqué esmaltes de horno para el hierro y cobre. Los últimos trabajos en aluminio me han permitido dejar el material al desnudo sin que la oxidación los deteriore. Y es en esta etapa en donde tuve la necesidad del color -ya sea en grandes o pequeños planos-. A la madera nunca la he coloreado porque me gusta dejar al descubierto la belleza de sus vetas, su propio color y calidez.

-¿Cuáles son las bondades que más aprecia de esos materiales?

-Todos los materiales tienen bondades y dificultades, por eso es un desafío trabajarlos y para mí una aventura. Cuando trabajé la piedra quise tallar los diferentes mármoles del país y para eso fui a las distintas canteras. Algunos resultaron excelentes para la talla y otros no tanto -por su dureza o por tener el grano demasiado grueso-.

Los mármoles del exterior -como el Carrara, el negro belga, entre otros- son un placer trabajarlos. La talla directa, que es la técnica que uso, requiere de mucho trabajo y oficio porque la piedra es dura pero también es frágil, y con un golpe mal dado puede abrirse… y deteriorarse la obra. Es un material bello y eterno, y a su vez, tiene en su contra la dureza, el peso y la fragilidad. El metal me permite esculturas de gran porte, por su menor peso y por las posibilidades que te permite de trabajarse con diferentes técnicas. La que más uso es la chapa batida y soldada, pero también el plegado de chapa, engrampado, fundición, ensamble. El moldeado y esmaltado, la vitrofusión de vidrio, me ha permitido disfrutar de la transparencia, del color, la luz y de lo etéreo del material.

- El punto o el círculo, ¿qué connotación tiene en su trabajo?

-El punto y el círculo -trasladado a la escultura en forma de esfera, rueda, o pequeños módulos- los he utilizado en forma permanente en mi obra. Siempre de un modo diferente en distintas series. Aparecen como origen, comienzo, proceso continuo o incluso como ritmo permanente que vuelve a sí mismo. En los últimos trabajos, he representado el punto con tuercas y tornillos, para configurar estructuras más elaboradas. Siempre en colores primarios intentando representar una epidermis.

-En el mercado del arte se considera a la madera como materia efímera comparada con la piedra o el bronce.

-La madera ha sido uno de los materiales más usados desde la antigüedad para la escultura. Si bien es cierto que este material sufre deterioro a la intemperie, hoy no es un problema: existen diferentes productos para protegerla. Por eso mismo en la actualidad no se desvalorizan las obras de acuerdo al material. Lo que prima es la idea y en todo caso, el acierto en la elección del material y su utilización como refuerzo expresivo de la forma. Todo depende de “que” expresen y “como” técnicamente estén resueltos. Yo trabajé durante muchos años el mármol, un material costoso y bello por sí mismo, pero también ha querido trabajar con otros totalmente diferentes: en la serie: “Angelitos de chatarra” de 2006, elegí partes de automóviles conseguidas en chacaritas y las ensamblé con madera, por ejemplo. El cambio de material respondió a la necesidad expresiva del tema, y no creo que el empleo de estos, modifique su valor con respecto a los trabajos anteriores.











-Su obra es prolija, ¿esto refleja una personalidad prolija?

-Si el trabajo escultórico se puede trasladar a lo personal enseña mucho a bucear en uno mismo y enseña a lidiar con la realidad circundante: a tener paciencia, resistencia al fracaso, esperar un largo proceso para ver la obra terminada… Siento que la técnica es como la palabra: si no hay que decir, si no hay un sentimiento o no hay una idea que transmitir, no tiene sentido. Por eso me baso en las necesidades que tengo de crecimiento interno cuando elijo el tema.

Cada obra debe tener una motivación profunda, una enseñanza y la posibilidad de transmitir, de comunicar al otro no sólo la idea, sino también la vivencia del proceso creativo. Siento las diferentes manifestaciones artísticas como una necesidad interior, una búsqueda de un mundo más rico espiritualmente y un modo de comunicarme con el otro. La prolijidad tal vez sea el resultado del esfuerzo de unir, ordenar ideas, sentimientos, materia, técnicas, pero no la intención primera.

-Su obra tiene referencias figurativas...

-Una de las temáticas que me ha interesado abordar es el ser humano, sus conflictos internos, su posibilidad de crecimiento, su lugar en la sociedad actual. De ahí la referencia figurativa en varias series de mi obra. Pero no porque piense que la abstracción no puede comunicar sentimientos, problemas, tensiones con otros elementos plásticos. He trabajado la abstracción cuando me resultó más adecuada para la temática que quería abordar. Son diferentes modos de aproximarse a las necesidades expresivas.

-¿La figuración colabora para que su arte se acerque mejor al público?

-No creo que la figuración llegue al público de una forma más directa que la abstracción. Sí pienso que es la capacidad de comunicación que tiene la obra, la que hace la diferencia. Muchas veces algún espectador me ha comentado sensaciones, ideas que le despertó el trabajo, que yo no las había percibido. Tal vez lo que sentía el espectador estaba en mi inconsciente o el espectador la completó con sus vivencias.

-¿El espectador debe interpretar a la obra de arte o sólo disfrutarla?

-La obra “no es” hasta que el espectador no está en contacto con ella. Mi actitud es dejar la escultura una vez terminada a consideración del espectador para que sean las formas, la textura, el color, las líneas, las tensiones, es decir las cualidades plásticas expresivas, las que dialoguen con el espectador. Para que la obra viva por sí sola y diga si tiene algo que decir. Yo ya no estoy, el momento en que la hice no es mi presente.



-Cierta escultura contemporánea trabaja con materiales en desuso y los amontona en un espacio expositivo. ¿Qué opina de esas expresiones que parecen estar de moda?

- Lo que hace que una manifestación plástica sea una experiencia estética de valor, depende de la idea y el concepto con que se seleccionaron los elementos a poner en juego, el sentido y el modo en que se colocaron, la intención expresiva y la relación con el espectador. A mi entender todo depende de la verdad interior que se quiere transmitir, compartir con el otro de un modo auténtico, original y con el mejor lenguaje plástico para que pueda llegar al observador.

-¿Por qué el interés por la fauna?

-En la última exposición 2014 –que realicé en el Museo Provincia Franklin Rawson de San Juan- no tuve un interés especial por la fauna. Hacía referencia más bien a todos los seres vivos. La muestra “¿Qué nos une?” no tuvo la intención de contestar la pregunta sino compartir un interrogante. Una aventura entre la realidad interior y la que nos circunda con la esperanza de generar nuevos lazos y canales que nos permitan ver más claro la conexión de todo lo existente: lo animal, lo vegetal, lo humano. Y a través de puntos, líneas, formas y colores poder imaginar pieles, redes, lazos que unan las diferencias y nos hablen de esa esencia común que todos los seres vivos compartimos. De esos pequeños cosmos de diferentes colores que somos, donde incesantemente se renueva la vida.

Las elecciones

-¿Cuáles son los movimientos y los artistas que más la han influenciado?

-Me resulta difícil saber realmente qué me pudo haber influenciado. Tuve la suerte de viajar, de estar en contacto con obras de diferentes corrientes plásticas de la historia del arte. Conozco los lineamientos actuales del arte, recibo el bombardeo de imágenes permanente de esta época. Sin lugar a dudas las influencias están, los gustos de la época marcan. De algún modo se absorbe todo esto, intento comprenderlo, enriquecerme para poder transformarlo a través de mi óptica, de mi sentir, de mis posibilidades.

-¿Qué opinión le merece el escenario de las artes plásticas en San Juan?

-La creación del nuevo Museo Provincia Franklin Rawson conjuntamente con el Auditórium Juan Victoria, han estimulado un mayor movimiento en la plástica sanjuanina y también un intercambio con la plástica del resto del país y del mundo. Exposiciones simultáneas en forma permanente de diferentes corrientes plásticas, conjuntamente con el crecimiento en el área teatral y musical han enriquecido de forma notable la vida cultural sanjuanina.

-¿De qué se trata la obra que eligió para ilustrar su nota?

Elijo una de la última muestra: “Hombre rana” que pertenece a la serie “Piel”. Esta obra está realizada con la técnica chapa de aluminio batida y soldada, y revestida parcialmente con una trama confeccionada con tuercas coloreadas y tornillos.

-Si tuviera que elegir sólo una escultura que le cause profunda admiración, ¿cuál elige y por qué?

-Elijo una escultura del inglés Henry Moore, “Reclining Figure”, de 1948. Me interesa la innovación que realiza al incorporar el vacío como parte de la escultura, tratamiento que fue importante en sus obras desde 1934, hasta llegar a un punto en el que vacío y materialidad cobran la misma importancia. Esta obra es un ejemplo de esta búsqueda.

Tiene zonas de mayor fuerza visual, con estructuras firmes (como el arco que forman los brazos y hombros) y otras de líneas más suaves, íntimas, donde participa muchas veces el vacío. Creando de esta manera un exterior firme, protector, y un interior que es necesario proteger.

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viernes, 24 de junio de 2016

MONICA RENEDO - ATRAVESANDO EL MAÑANA



Atravesando el Mañana

Hermosa obra! Se atraviesa algo para llegar a un sueño, una esperanza... y no siempre es el camino mas corto, se atraviesa según las sinuosidades del terreno, los obstáculos... como el rio de montaña entre peñascos o en el llano pacíficos meandros... Lo importante es atravesar el mañana para llegar a un hoy de esperanza, de sueños... Hacer esta obra brota de tu corazón
28 de marzo 2010

jueves, 2 de junio de 2016

OXANA MAHNAC - MUSTER DES LEBENS


Todo patrón de vida es intenso, es fuerte, inapelable... asi son las obras de Oxana Mahnac
Ganze Muster des Lebens ist intensiv, stark, außer Frage ... so sind die Werke von Oxana Mahnac


original
Muster

Das Leben hat ein Muster. Wer das Muster des Leben lesen kann, ist wahrhaft intelligent. Die Geheimnisse, die die in Mustern versteckt sind, sind überall zu finden. Baumringe, Wasserspuren an Steinen, Frostverzierungen am Fensterglas. Wer sie auch nicht nur sehen, sondern auch lesen kann, ist auch im Stande sein eigenes Muster zu erkennen.
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traducción
Patrón

La vida tiene un patrón. Quién puede leer el patrón de la vida, es verdaderamente inteligente. Los secretos que se esconden en los patrones se encuentran en todas partes. Anillos de los árboles, marcas de agua sobre piedras, adornos helada sobre el vidrio de la ventana. Que no sólo puede ver, pero también ha de leer, es reconocer su propio patrón también es capaz.
(Traslator Google)
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Oxana Mahnac es clara en la esencia de lo que dice, la vida tiene marcas especiales, patrón, que son base de lo que sucede a cada uno y a todos, ese patrón es el que le permite transmitir en cada retrato el momento vivido por el personaje representado, sea este un individuo o un grupo social en el que se reflejan las circunstancias que el "patrón de vida" marca intensamente. Dice que quien puede leer dicho patrón es verdaderamente inteligente, yo agregaría que también es necesario sabiduría y eso es lo que la distingue como artista, como pintora que, como dije anteriormente, en otro post, es una moderna Bertha Pppenheim (Anna O) que transmite intensidades mediante su neo expresionismo elaborando todo un manual catárquico visual en el cual sobresale dicho patrón de la vida y que sirve  para descubrirse a si mismo